Este post es para hacer una idea entre lo que es la animación completa y la animación limitada:
La animación americana tradicional, es decir, la animación 1s, se restringe generalmente a dos formatos; largometrajes a la Disney o cortometrajes. Los cortos son de 7 minutos más o menos que se emitían antes de los largometrajes como un bonus.
La animación completa está organizada en un sistema de animadores e intercaladores como el anime, pero hay muchísimo más trabajo debido a que hay que dibujar mucho más. Un corto de 7 minutos de Warner Brothers, por ejemplo, podría tardar meses en ser producido. Una de las grandes diferencias entre el sistema de Disney y el japonés radica en otro nivel. Los animadores en Disney no tenían asignadas escenas, sino personajes individuales. Ellos harían que un animador o un pequeño equipo de animadores trabajaran en un solo personaje durante toda la película para garantizar una total consistencia. Esto quiere decir que cuando
Bill Tytla animaba a Dumbo, solo se tenía que preocupar en dibujar el elefante, obviando los efectos o cualquier otro personaje en ese frame. Es por eso que en las películas de Disney no ves diferencias estilísticas entre escenas, sino que estas se aprecian más bien entre personajes dentro de una misma escena (sin ir más lejos, recordad las diferencias entre los enanos y la Blancanieves de
Grim Natwick).
Como resultado de este estilo, el proceso de trabajo es mucho más convulso y complejo, con distintos directores/supervisores de animación para cada personaje, alargando todo el proceso de revisión. Los cortos, en cambio, son una excepción ya que los animadores podían hacer todas las escenas porque aquí no se buscaba una consistencia al 100%, sino que tenían que priorizar la comedia. Es por eso que en los cortometrajes se pueden considerar más bien obras de autor donde los animadores tenían rienda suelta para experimentar un poco más con la animación.
Los story-boards también son distintos entre la animación americana y la japonesa. Los guiones en la animación americana no son tan detallados como los japoneses, y normalmente sufren muchos cambios durante la producción. En Japón los story-boards son la ley. Tienen que ser completados antes de que la producción del proyecto empiece y no pueden ser alterados excepto bajo el permiso del storyboarder o del director. Los story-boards son la esencia de la película, y el proceso de animar solo sirve para llevarlo a la realidad.
En América el story-board sufre muchos cambios sometidos a comité durante el proceso. Muchas de las películas de Disney no tienen un director en el sentido convencional de la palabra, enfatizan más la actuación de los personajes que la cinematografía. En teoría, la animación americana busca ante todo una actuación convincente de los personajes por encima de todo. El ideal americano es infundir vida a los personajes, no producir una serie de dibujos interesantes. Los estándares de Disney piden que cuando el público vea la película, no “vea” los dibujos. Por eso evitan los cambios de estilo, estos son malos porque resaltan el elemento que los animadores intentan ocultar su propia mano. La animación de Disney intenta crear una ilusión de realidad aunque los escenarios y los diseños sean fantásticos. También hay mucho énfasis en la habilidad técnica.
Milt Kahl creía que no podías ser un buen animador si no dominabas las técnicas de dibujo clásicas y muchos de los animadores de la Edad Dorada tenían una educación clásica en universidades de arte (Disney iba por todas las universidades de América reclutando jóvenes talentos). Este explica en parte el éxito de Disney, los personajes parecen existir como personalidades independientes dentro de su material de construcción.
Este hecho es el que genera un desprecio de los fans de la animación americana para con el anime. Es fácil distinguir cuadros en el anime, y los puntos considerados imprescindibles para crear la ilusión de realidad como una buena sincronización labial y una perfecta animación facial son considerados como poco importantes o superfluos para el anime. Es por eso que los americanos saltaron tan rápido al tren del CGI, los personajes CGI pueden hacer la misma función con un margen de error más amplio (muchos de los mejores animadores de Pixar tienen una educación clásica 2D de animación).
Por otro lado, para algunos es muy fácil reírse de los animadores de la Edad Dorada diciendo que se centraron en abrazar el estilo de Disney, que tiene poco valor artístico, poniendo como ejemplo en cambio la animación europea o japonesa, donde estas últimas tienen más variedad y estilos que el que produjeron los animadores de la Edad Dorada. Pero es importante recordar que los animadores americanos no animan escenas como lo hacen los japoneses. Los animadores japoneses son productores audiovisuales por encima de todo, mientras que los animadores americanos tienden a ser más similares a los actores, añadiendo las restricciones que esto implica. Según los estándares de la animación clásica, aunque los dibujos puedan ser interesantes, la animación japonesa falla como animación. Esto se debe a que estos animadores intentaban a mediados del siglo pasado legitimar la animación como un nuevo arte.
Japón tiene otro punto de vista, puede que uno más específico para el medio. Aprendes a animar básicamente animando mucho, no aprendiendo un medio completamente distinto y luego aplicando esos principios a la animación. Mientras que el sistema de Disney sentaba una rígida jerarquía que podía hacer que tardaras años en llegar a ser animador, en Japón es relativamente fácil saltar de intercalador a animador. El animador medio de la Edad Dorada tiene mucho más talento que el animador medio japonés (aunque esta comparación tiene un claro bias al haber muchos menos americanos que japoneses).
Aunque los animadores japonesas tengan relativamente más libertad en sus escenas, todo el sistema japonés parece diseñado para minimizar la influencia de la animación per se confiando en unos buenos story-boards y layouts (hay una anécdota famosa de un animador de Disney pidiendo trabajo en Ghibli y siendo rechazado cuando este se negó a dibujar sus propios layout) además de tener un buen director de animación que asegure un estilo visual consistente eliminando las idiosincrasias distintivas de cada animador (la mayoría de animadores japoneses no son Ohira o Yuasa, sus idiosincrasias tienden a ser hábitos de dibujo perezos). El anime se basa en sincronizar todos estos elementos en un conjunto cohesivo. Para los animadores americanos, que están acostumbrados a la idea de que la animación de la actuación de los personajes es lo único que importa, el sistema japonés les debe parecer hasta barbárico, con muchos artistas saltando aleatoriamente entre funciones de animador y director.
Los dos puntos de vista tienen sus méritos, y, aunque la animación limitada sea la más práctica de las dos, la animación completa, aunque sea más especializada, no tendría que desaparecer. El que promovió la animación limitada fue Osamu Tezuka, quien asumió la pérdida de calidad técnica si esto permitía diversificar la animación. Tezuka se centró en enseñar cinematografía y buenas técnicas de dirección a sus directores, mas que enseñarles puras habilidades técnicas de dibujo. Si cread un mercado con muchos géneros distintos, creas también la posibilidad de que en algún momento hayan películas para adultos bien animadas en algún futuro. Aunque no estén animadas en 1s, películas como La tumba de las luciérnagas o Ghost in the Shell son la realización de esa ambición.
Aunque no todos los animadores completos son cerrados a nuevas ideas, algunos animadores de Disney quedaron muy impresionados con los trabajos de Miyazaki. Pero de momento la animación compleja se rige básicamente bajo el estilo Disney y no innova con otro material.
Aún así, los puristas de la animación completa mantienen una postura absurda. El talento tiene mucho que ver, sí, con lo que lograron los Nueve Ancianos de Disney, pero también hay que contextualizarlo con su producción. Los animadores de Disney tenían unos períodos de entrega mucho mejores, muchos materiales de referencia (modelos 3D, escenas grabadas con actores reales…), intercaladores y animadores subordinados de primer nivel y el requerimiento de solo tener que centrarse en un solo personaje en vez de en toda la escena.
También hay que considerar que la animación en 1s se verá mucho más fluida solo por ser 1s (incluida la mala animación). Cuando animas en 1s, cada dibujo aparecerá en pantalla por solo un frame. Cuando animas en 2s cada dibujo aparecerá en pantalla durante dos frames. Y cuando animas en 3s cada dibujo se mantendrá en pantalla durante tres frames. Disney normalmente siempre era en 1s (básicamente porque el presupuesto lo permitía), otras producciones americanas animaban normalmente en 2s, y finalmente el anime para ahorrar tiempo y dinero anima en 3s (ojo, todas las producciones de anime se producen en 3s, luego dependiendo del número de dibujos por escena que haga un animador, la animación se verá mejor o peor. Y los animadores son pagados por escena).
Esta es la teoría, pero en la realidad intentar reducir a un número fijo la animación japonesa es un poco más complicado ya que muy pocas producciones tienen un solo frame rate. Solamente algunas películas modernas o películas pre-1970 tienen un número fijo.
La verdad es que los animadores dibujaran el tempo dependiendo de varios factores:
a) El tipo de escena que estén dibujando. Si es una escena simple, como dos personas andando, requerirá muy pocos frames.
b) Cuantos frames le han dado al episodio y cuantos de estos está dispuesto a otorgar el director del episodio a ciertas escenas. Entonces el animador tienen que trabajar siendo consciente del límite e intentar dar lo mejor de si.
Aparte de la élite que trabaja en películas con mucho presupuesto, la mayoría de los animadores cambiará el tempo para ajustarse a la escena. No solo esto, pero muchas veces tambien cambian el tempo dentro de la escena en si. Saltan de 1s/2s/3s hasta a veces 4s.
Otro grado de complejidad es que muchas escenas tienen diferentes capas. Y cada una tiene su propio tempo. Así, cada capa tendrá sus propios cambios de 2s-1s-3s etc. Y todo esto tiene que ser pensado y dibujado por el propio animador. Por eso la noción que hay a veces de que los animadores japoneses no sabrían animar bien en 1s es estúpida. Necesitas triplicar o cuadriplicar el número de dibujos en una escena de por ejemplo, Toshiyuki Inoue, antes poder empezar a hacer comparaciones.
